Entrevista con Arquicostura

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Arquicostura: “Con mi obra quiero llevar el hogar a la calle”

 

Hoy hemos quedado con Raquel Rodrigo, la artista valenciana detrás de Arquicostura, un proyecto realmente interesante mezclando tradición y arte urbano. Hemos tenido el placer de entrevistarla en el Mercado de Colón, el lugar donde ver, disfrutar y relajarse en el atractivo centro de la ciudad de Valencia.

 

Sympathy Collaboration: ¿Háblanos de ti, cómo te defines?

Arquicostura: Soy Raquel Rodrigo, mi proyecto es Arquicostura y lo que pretendo con Arquicostura es sacar a la calle el punto de cruz, que es una técnica tradicional de bordado, un arte femenino invisible y lo que pretendo es crear un diálogo , entre lo público y privado, sacando lo que antes se bordaba en los paños, en las sábanas y toallas del hogar y llevándolo a la calle.

 

SC: ¿Eres usuaria de bicicleta?

Arquicostura: Yo siempre he ido en coche, vivía en Torrente y utilizaba mucho el coche. Desde hace un año, vivo en Valencia y mi vehículo es la bicicleta, que utilizo para ir a cualquier parte.

 

SC: ¿Qué has querido transmitir con este proyecto?

Arquicostura: Para mí hay un enfrentamiento importante por el material utilizado y el cambio de escala, porque normalmente trabajo a gran escala. Para no perder la firma, el casco lleva las flores con las que se me identifica y que he plasmado con pintura.

 

Raquel Rodrigo con su bicicleta en el Mercado de Colón (Fotografía: Generando Imagen)

 

SC: ¿Qué es lo que te interesa más mostrar con tu obra?

Arquicostura: Me interesa llevar ese discurso entre lo público y lo privado, llevar el hogar a la calle.

 

SC: ¿En qúe momento decidiste dedicarte al arte?

Arquicostura: Desde bien pequeña no se bien porqué pero me gustaba el arte, creo que lo llevamos dentro aunque no te sepa decir bien cómo. Siempre pensé que estudiando Bellas Artes solo iba a poder trabajar de profesora… pero descubrí que lo que me gusta es crear.

 

SC: ¿Cuál es tu proceso de trabajo y qué has tenido que modificar para hacer este casco?

Arquicostura: Al final lo que hago es pixelar imágenes, bajarle la calidad para crear esos puntos que transformo en cruces. En este caso he querido llevar mi marca, las flores, al casco. Busqué una manera de llevarlo al casco, fue complicado porque en la parte textil necesito siempre un soporte, no era tan fácil ponerlo en el casco y decidí utilizar pintura. Busqué una pintura que me permitiera crear esa textura que me identifica, y este es el resultado, del que estoy muy contenta.

 

Puedes pujar por el casco de Arquicostura aquí: http://sympathycollaboration.com/en/ultimate-auction/casco-closca-by-arquicostura-de-raquel-rodrigo/

Entrevista con Alba Casanova

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Alba Casanova: “Mis obras surgen de mis experiencias y sensaciones cotidianas, todo lo que me mueve a nivel interno”

 

Hoy nos concede la entrevista Alba Casanova, que en su apretada agenda nos ha dejado un hueco para hablar de su obra y su día a día. Hemos decidido reunirnos en uno de los espacios que más destaca en la agenda valenciana por su calidad y variedad de eventos, nos referimos a La Fábrica de Hielo, el conocido espacio cultural independiente del Cabanyal.

 

Sympathy Collaboration: ¿Háblanos de ti, cómo te defines?

Alba Casanova: Me describo como una persona creativa, muy inquieta. Me gusta descubrir siempre nuevos campos y nuevas disciplinas. Mi obra ha sido muy interdisciplinar, ha ido evolucionando desde la escultura, la performance, la teoría del arte o el mundo audiovisual hacia la ilustración, pero sigo mutando. Partiendo siempre desde el ámbito del arte contemporáneo intento ir incorporando diferentes perspectivas como puede ser la parte social, por ejemplo, según me haya ido interesando en el camino, acoplando así las distintas disciplinas a mis procesos creativos más personales.

SC: ¿Eres usuaria de bicicleta?

Alba Casanova: Sí, utilizo la bicicleta casi todos los días. Tengo dos niños e intento que vayan todos los días al cole en bicicleta o patín, por una cuestión ideológica. En este momento mi ciudad está cambiando profundamente, es un cambio de paradigma que determina hacia dónde queremos avanzar como sociedad, cómo queremos que sea nuestro día a día. El hábito de dejar el coche de lado y empezar a ir en bicicleta, o caminando, sobre todo yo que vivo en el centro, plantea una nueva forma de vivir la ciudad de cara al futuro, muy positiva desde mi punto de vista, convirtiendo a Valencia en una ciudad mucho más rica e interesante. Entre la peatonalización y los nuevos carriles disfrutamos mucho más del espacio público.

 

SC: ¿Cuéntanos tu metodología de trabajo?

Alba Casanova: Mi metodología suele incorporar diversas técnicas y disciplinas, intentando probar siempre cosas nuevas aunque principalmente utilice el dibujo y el collage como base. Ahora estoy jugando con la cerámica, y el casco de esta exposición podría ser otro ejemplo . Trabajo normalmente en formato digital , porque eso me permite definir mi estilo propio dentro del collage, donde es fácil coincidir con otros artistas. Mi obra suele contrastar lo grande y lo pequeño, lo cotidiano y lo universal, trabajar en digital me permite reforzar conceptos jugando con los tamaños, redefinir los colores de cada parte adaptándolos a un todo o replantear la composición, desde luego, como ilustradora me parece una herramienta revolucionaria, a pesar de lo que piensen los más puristas, es fundamental en mis procesos. En cuanto a los recursos, suelo mezclar como ya he dicho dibujos propios con viejas imágenes, sobre todo del sXIX, que voy raptando de mercadillos, bibliotecas o de internet, teniendo en cuenta siempre la pesadilla de los derechos y licencias. Para dibujar, lápices y acuarelas. Una vez tengo todos los elementos, lo mezclo todo digitalmente. A nivel conceptual el punto de partida es sencillo, teniendo en cuenta el concepto que quiero transmitir, busco una imagen que lo defina de forma poética y conceptual de forma directa y sencilla, pero potente.

 

Alba Casanova en la Fábrica de Hielo (Fotografía: Generando Imagen)

 

SC: ¿Qué has modificado de tu proceso de trabajo para hacer este casco?

Alba Casanova: Pues ha habido un cambio de metodología importante. El proceso de conceptualización ha sido el mismo pero los materiales y el volumen presentaban un nuevo reto. La búsqueda de un material con el que me sintiese cómoda para plasmar mis ilustraciones en un objeto con volumen fue una aventura, y el proceso de encaje y la adaptación fue también algo más físico, más complicado. Estoy muy contenta con el resultado.

 

SC: ¿Qué has querido contar con el casco?

Alba Casanova: Cuando me planteasteis este proyecto desde un primer momento me pareció una oportunidad para transmitir esa sensación de cambio que estoy sufriendo a nivel personal, y que tiene que ver con la evolución general de la ciudad en la que vivo. Desde mi punto de vista en lo que se refiere a lo público, Valencia llevaba mucho tiempo estancada, definiéndose como ciudad solo de cara al exterior en una especie de complejo extraño que no la dejaba crecer como toca, que es de la mano de las personas que la tienen que vivir cada día.

En el casco quise plasmar en cierta manera esa esperanza, la alegría, la diversidad, la posibilidad de establecer una ciudad más verde, más sana y cómo este cambio de paradigma a la hora de movernos por ella es fundamental.

SC: ¿Que haces para recargarte de pilas?

Alba Casanova: Pues vivir en general, ahora mismo disfruto mucho de ver cómo crecen mis hijos, aunque pueda sonar a tópico, es una experiencia realmente intensa. También me gusta mucho leer, viajar, el cine, el arte, la gente o hacer cosas con las manos. En general disfruto con lo que se va haciendo en distintos campos y contextos, también soy muy crítica y muy política, soy de emoción fácil, para bien y para mal. Al final el contenido de mis obras surge de esas experiencias y sensaciones cotidianas, de lo que me mueve a nivel interno.

 

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Entrevista con Irene Belenguer de Minimís

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Irene Belenguer: “Hoy en día es muy importante conocer quién está detras de lo que compras y saber dónde nace algo”

 

Tenemos el placer de reunirnos con Irene Belenguer, la persona detrás de Minimís, una marca de muñecos muy especiales, hechos con mucho gusto y con fabricación 100% valenciana. Nos hemos reunido con ella en el Centre del Carme, uno de los museos más prestigiosos de Valencia y que ha sido lugar de la exposición de Sympathy Collaboration durante casi un mes.

 

Sympathy Collaboration: ¿Háblanos de tí y cuéntanos qué son las Minimís?

Irene Belenguer: Soy Irene Belenguer, estoy detrás de las Minimís, que son unas muñecas de tela con mucha personalidad y mucha alma, digo alma porque son muñecas que están elaboradas a mano, una a una y cuentan su propia historia, tienen una vida detrás. Creo que hoy en día es muy importante conocer quién está detrás de lo que compras, creo que hay que volver a esos orígenes, y en este mundo cada vez mas impersonal es muy importante saber de dónde procede y dónde nace algo.

 

SC: ¿Cuál es tu procedimiento habitual de trabajo y cuéntanos cómo ha sido con este casco Closca?

Irene Belenguer: Yo diseño todos los productos por ordenador, primero en Illustrator, creo un rapport que después imprimo, y es lo único que externalizo, en un empresa también valenciana.  Imprimo todos los patrones mediante estampación digital, una vez llega el rollo de 50 o 100 metros de tela, hay que cortar, separar cada muñeco, coser al revés, darle la vuelta, rellenar… Mucha gente cuando se asoma por el taller, se asombra al ver el procedimiento de trabajo.
Más o menos el proceso es ese, primero con un punto de tecnología al ser diseñados por ordenador, y luego la parte más artesanal del oficio de costurera con la máquinas, que ya al menos son industriales y van un poquito más rápido.
A la hora de hacer el casco, tuve que salir de mi zona de confort. No sabía muy bien que podría hacer con ello, pero enseguida pensé que podría hacerle un antifaz del muñeco y pensé que el más característico, el más divertido podía ser Mr. Fox. Entonces, partiendo de los mismos patrones que tenía, fui uniendo para que no quedaran trozos blancos y salió a la primera.

 

Irene Belenguer en el Centre del Carme (Fotografía: Generando Imagen)

 

SC: ¿Qué haces para inspirarte?

Irene Belenguer: A mí, como decía Picasso, la inspiración me pilla trabajando. Me inspiro mucho en redes sociales, busco cuando tengo tiempo, sobretodo cuando baja el trabajo. Veo mucho todas la tendencias, me gusta mucho pasear por blogs y sobretodo por Instagram. También me inspira lo que veo en la calle, viendo un escaparate, paseando por una ciudad diferente, algo que pasa, un muñeco de un niño… hay muchas cosas que me inspiran. Ahora ya no tanto, pero antes me inspiraban mucho los materiales. La marca empezó un poco por encontrar unos fieltros muy especiales en una tienda de Barcelona y ahí empezó todo. Muchas veces compro las telas o el material que mucho tiempo después se convertirá en algo.

SC: ¿Cuéntanos tu relación con las bicis?

Irene Belenguer: Ahora mismo no soy usuaria de bicicleta, pero llevo mucho tiempo con ganas de volver a usarla, me da cosa en la ciudad y soy un poco miedica, y sin motivos porque hoy en día tienes carril bici por toda la ciudad y todos mis amigos son usuarios de bicicleta. Me encantaría tener una BH roja como la que tenía de pequeña, yo aprendí en la Eliana, un pueblecito muy cerca de aquí, y mi padre nos enseñó a mis hermanos y a mí a montar en bicicleta. Creo que cuando vuelva a subirme a una, volveré a cantar como cuando era una niña.

 

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Entrevista con Javier Calvo

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Javier Calvo: “Me considero un artista de vanguardia”

 

Javier Calvo, Valencia 1941. Con una amplia carrera a sus espaldas, Javier Calvo es uno de los artistas plásticos referentes en Valencia. Ha expuesto su obra en infinidad de galerías y museos de una larga lista de países. Todo lo que podamos decir de él se queda corto.

Por nuestra parte estamos encantadísimos de que Javier esté entre los participantes de Sympathy Collaboration y además, hemos elegido un lugar muy especial para la entrevista, el restaurante Vuelve Carolina del internacionalmente reconocido cocinero Quique Dacosta. Definitivamente un placer para el paladar.

 

Sympathy Collaboration: ¿Cuéntanos Javier cómo te definirías?

Javier Calvo: pues casi casi como un artista multidisciplinar. Porque en realidad a lo largo de mi trayectoria artística he estado en el mundo de la moda, en el mundo del diseño y sobretodo, lo que sí que me considero es pintor, un artista plástico en el sentido tradicional de la palabra. Pinto sobre el lienzo y en bastidor. Utilizo incluso pinturas tradicionales, oleo, acrílico… lo que nunca he hecho aún ha sido performance, aunque toda mi vida ha sido prácticamente una performance (risas). Me considero un artista de vanguardia.

 

SC: ¿Cuál es tu metodología de trabajo y cuéntanos como ha sido con este casco?

Javier Calvo: tengo una metodología proyectual que es la ricerca, la italiana. Hay una base fundamental en la que me inspiro, una fotografía, un viaje, y últimamente trabajo por bloques temáticos, hago series. Para el casco me he basado en la serie del rayo abismal, trabajando sobre la vacuidad y el abismo. He investigado la vacuidad en la arquitectura peruana, a partir del análisis de la arquitectura del Machu Picchu, donde estuve un mes haciendo fotos. La otra serie es el abismo, que surge en los Cenotes de México. A partir de ambas surge la idea de los rayos, el rayo abismal, ya que en el momento inmediato en el que aparece un relámpago o un rayo, surge ese vacío en el espacio. He jugado con la geometría, siguiendo con mi línea constructivista, geométrica. Con el casco he hecho un rayo abismal que atraviesa justo el centro del mismo.

 

Casco intervenido por Javier Calvo (Fotografía: Generando Imagen)

 

SC: ¿Qué vínculo tienes con la bicicleta?

Javier Calvo: con la bicicleta tengo un vinculo entrañable. Mi mejor amigo es ciclista, yo he ido en bicicleta desde que era niño con mi padre, que utilizaba la bici como medio de transporte. En los últimos años he hecho más bicicleta gracias a las vías verdes y los carriles bici. Además, la bicicleta plegable ha sido para mi la idónea, porque en el estudio la tenemos plegada y así dispongo de más espacio para trabajar. La bicicleta me parece que es fundamental en una ciudad como Valencia, por su orografía y climatología.

SC: ¿Qué haces para recargarte de ideas?

Javier Calvo: Fundamentalmente viajar. El viaje intimista. La inspiración me surge a partir de una imagen, luego viene el proyecto en cuanto a nivel conceptual y luego el desarrollo físico. Siempre por bloques temáticos que me parecen idóneos para empezar y cerrar. Fundamentalmente lo que hago es una introspección y mirar a mi alrededor.

 

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Entrevista con Alejandra de la Torre

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Alejandra de la Torre: “Siempre parto de una imagen que me sugiere algo, no tengo un boceto cerrado”

 

Alejandra de la Torre, Castellón 1983. Aunque nacida en Castellón, desde que empezó la carrera de Bellas Artes Alejandra ha desarrollado su obra en Valencia. Alejandra centra su trabajo en las artes plásticas, aunque se desenvuelve dentro de ellas con diferentes lenguajes que van desde el street-art hasta la instalación vídeo-pictórica.

El tema central de su obra más reciente, son los objetos y nuestros vínculos con ellos, la necesidad humana de poseer y acumular, los recuerdos cosificados y el paso del tiempo. Aunque también se centra en ellos ya no tanto para hablar del objeto en si, sino como elemento narrativo.

Hemos quedado con ella en la tienda Strap, uno de los lugares referencia actual en Valencia para adquirir ropa urbana con mucho estilo.

 

Sympathy Collaboration: ¿Háblanos un poco sobre tí Alejandra?

Alejandra de la Torre: Mi nombre es Alejandra de la Torre, me dedico al arte y sobretodo a la pintura, la ilustración y la instalación.

 

SC: ¿Cuál es tu procedimiento habitual de trabajo y cuéntanos cómo ha sido con esta intervención sobre un casco Closca?

Alejandra de la Torre: Realmente no tengo una metodología muy fija, pero sí que es verdad que siempre parto de una idea un poco volátil, y la voy desarrollando. Por ejemplo, en la pintura siempre parto de una imagen que me sugiere algo pero no tengo un boceto cerrado. A partir de ir esta imagen voy trabajando el lienzo y creando accidentes (manchas, dripping, etc) que me van llevando hacia la composición final. En la instalación hago lo mismo, tampoco trabajo una idea definida. Si es cierto que parto de una idea algo estudiada, ya que en una instalación tienes que tener más o menos claras las técnicas que vas a utilizar o cómo quieres aprovechar el espacio, pero es en el propio proceso de creación donde va cogiendo forma final, teniendo siempre en cuenta
cosas que pueden surgir en el camino que yo igual no había planeado en el inicio pero que hacen que la obra funcione mejor. Con el casco más o menos lo mismo…partí de la idea de que quería representar unos gorriones, porque me parece que son pajarillos super urbanos y además representan esa sensación de libertad y movimiento dentro de la ciudad que es para mi la bicicleta. Por lo tanto sabia de donde quería partir que eran los dos gorriones a los lados, pero los colores, o cómo iban a estar las cabezas, eso me lo iba sugiriendo el casco a medida que avanzaba.

 

Casco Closca intervenido por Alejandra de la Torre (Fotografía: Generando Imagen)

 

SC: ¿Qué haces para recargarte de ideas?

Alejandra de la Torre: A mí me recargan las pilas la gente y desde luego los actos sociales. Me paso mucho tiempo sola, encerrada en mi estudio, creando, creo que esto le pasa a muchos artistas y cuando necesito inspirarme o recargar pilas o bien quedo con los amigos o suelo ir a actos sociales, inauguraciones, exposiciones, actuaciones, etc. En estos sitios además de encontrarte con otros compañeros, a veces, una mancha, un trazo o una palabra vista en otra obra puede llevarte a otras ideas. Otra forma que tengo de recargar pilas y buscar inspiración es ir en bicicleta. Me gusta mucho hacer kilómetros en bicicleta porque es algo con lo que entro casi en trance. Suelo hacer la vía Xurra y como son bastantes kilómetros, llega un momento en el que lo hago como algo
mecánico y mi cabeza tira hacia otros lados, llevándome a otras ideas.

SC: ¿Alguna vez has pensado, por tu manera de trabajar, hacer una obra hablando de tu primera bicicleta?

Alejandra de la Torre: Pues claro, lo tengo pendiente, de hecho no es mi primera bicicleta….bueno a mi primera bicicleta, que fue una Motoretta le haría un cuadro. Y a una de mis segundas bicicletas, una America, una mountain bike de los años 90, que la tengo desde los 16 años y la sigo teniendo y por supuesto la sigo utilizando, le tengo que hacer algo porque es para meterla en un pedestal. Es que es mayor de edad, lleva 18 años conmigo y yo que tengo mucho vínculo con mis objetos, tarde o temprano tendré que hacerla parte de una obra.

 

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Entrevista con Raky Martínez

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Raky Martínez: “La inspiración me surge de cualquier cosa que suceda en la calle”

 

Raky Marínez, Valencia 1973. Dotado de un carácter visionario y una habilidad natural para innovar, Raky ha trabajado una amplia variedad de disciplinas creando desde diseño de interiores, arquitectura efímera, muebles, productos, ilustraciones, logotipos y hasta diseño de moda; combinado por su pasión por la música. Como RakkaFukka, su alter ego, ha actuado con gran éxito en eventos internacionales tales como el Festival Sónar en Barcelona

Hemos quedado en un sitio especial y un referente del diseño en Valencia como es Estudio Cosin. Raky está trabajando en un proyecto muy potente cerca de Cosin y ha venido entre tanto trabajo y proyecto para charlar un poco sobre su obra, diseño y arte.

 

Sympathy Collaboration: ¿Cuál es tu proceso creativo habitual y cuál ha sido el proceso para esta intervención?
Raky Martínez: En realidad creo que mi proceso creativo es bastante intuitivo, no soy una persona que se defina muy conceptualista, creo que me gusta más lo instantáneo y la espontaneidad. En este caso, cuando me propusisteis la idea de hacer la intervención del casco Closca, me vino algo inmediato, me vino enseguida un discurso entre la movilidad en la ciudad sostenible y lo difícil que a veces resulta el moverse en bicicleta por las ciudades, el que la gente respete ese espacio y se me ocurrió directamente el realizar una metáfora visual de ese acto en sí, es como ir a la guerra, el día a día en una ciudad es como esquivar objetos estáticos y en movimiento… de repente me surgió la idea de hacer el casco de la chaqueta metálica.

 

Raky Martínez en Estudio Cosin (Fotografía: Generando Imagen)

 

SC: ¿Qué haces para recargarte de ideas?

Raky Martínez: En este caso también estoy acostumbrado a procesos industriales muy complejos, y últimamente me gusta diseñar cosas instantáneas con recursos en los que no haya que utilizar procesos que no impliquen algo industrial y en este caso fue un poco buscar la instantaneidad.

Me gusta observar el entorno, la inspiración me surge de cualquier cosa que suceda en la calle, a mi alrededor y de esas pequeñas cosas. La naturaleza en sí es muy mecánica y te ayuda a resolver ciertos procesos creativos y en este caso de diseño que es a lo que me dedico. Hay una gran diferencia entre la mente de un artista y la de un diseñador, la mente de un diseñador siempre busca la funcionalidad, tanto la estética como la funcionalidad, pero siempre tiene que tener un resultado, la creación de un objeto, una necesidad. Esa es la diferencia.

 

SC: ¿Hablanos de las partes funcionales que también has aplicado en tu intervención?
Raky Marínez: Lo que buscaba era también darle un sentido al casco en sí, no solo que tuviera una estética militar, sino que pudiéramos utilizar ciertos componentes como accesorios del mismo casco.

La historia de componer el casco con elementos varios es que quizás podríamos sacar como un accesorio más al casco, esa cinta donde tienes un bolsillo para las pequeñas cosas, como componentes de la bicicleta, una llave, para arreglar la bici, la caja de parches, que es algo que me costó mucho encontrar y ya no se fabrica. Recuerdo que de pequeño todos íbamos con la caja de parches Sami y pensé que quizás, como esa guerra diaria, el casco se podría utilizar como complemento de portabilidad de ciertas herramientas que puedas necesitar con la bicicleta. También, a parte de elementos puramente estéticos, lleva una bolsita para llevar otros objetos.

 

SC: ¿Eres ususario de bicicleta?
Deih: Llevo mucho tiempo fuera y en las ciudades donde he vivido no se podía ir en bicicleta, pero sí, siempre he sido fan de la bici. Hace muchos año hice mountain bike, me encantaba el desdenso y también rodaba en bmx por la ciudad, y con este proyecto me ha entrado otra vez las ganas… creo que pronto volveré a ir en bici por Valencia, tengo una bici que quiero restaurar y que quiero empezar a utilizar.

Puedes pujar por el casco de Raky Martínez en: http://sympathycollaboration.com/ultimate-auction/casco-closca-by-raky-martinez-aka-rakkafukka/

 

Entrevista con Inma Bermúdez y Moritz Krefter

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Inma Bermúdez: “En nuestros proyectos, la mayor inspiración es ponerse en la piel del usuario”

Es martes a mediodía, y el equipo de Sympathy Collaboration hemos quedado para entrevistar a uno de los estudios con más reconocimiento internacional, Studio Inma Bermúdez.

Inma Bermúdez es la única española que trabaja para IKEA, su lámpara FollowMe se vende en el MoMa y está involucrada en un gran número de proyectos con una calidad inigualable en diseño y funcionalidad. Moritz Krefter, arquitecto, es la otra mitad del estudio.

A la cita acuden con puntualidad a un espacio muy representativo de la mejor cultura gastronómica valenciana, el Restaurante Ricard Camarena. A la llegada nos atiende Luis González, su responsable de prensa, ya que Ricard está en el extranjero esta semana. El espacio destaca por su estilo y sobriedad, el lugar perfecto para esta entrevista.

 

Sympathy Collaboration: Habladnos un poco de vosotros para el que todavía no os conozca
Studio Inma Bermúdez: (Inma) Somos Inma Bermúdez y Moritz Krefter y trabajamos en el estudio que lleva mi nombre (studio inma bermúdez), el cual desarrolla producto para diferentes empresas a nivel nacional e internacional, empresas importantes como IKEA o Marset, empresas valencianas como Lladró. Estamos muy contentos porque trabajamos en lo que nos apasiona.

SC: ¿Cuál es vuestro proceso de trabajo?
Studio Inma Bermúdez: (Moritz) Como en la mayoría de proyectos a los que nos enfrentamos en el estudio, nos hemos centrado en la parte funcional. Nos propusimos darle más visibilidad al ciclista, y para ello decidimos que nuestra aplicación gráfica debía ser reflectante.

En cuanto a la parte gráfica nos inspiramos en el camuflaje disruptivo, también conocido como Razzle Dazzle. Este era un método de camuflaje utilizado en barcos durante la Primera Guerra Mundial que consistía en un sistema complejo de formas geométricas, en colores contrastantes, interrumpidas y entrecruzadas entre sí. El objetivo con este tipo de camuflaje no era la ocultación sino engañar al enemigo.

 

Inma Bermúdez y Mortiz Krefter en el restaurante Ricard Camarena (Fotografía: Generando Imagen)

 

SC: ¿Es la primera vez que probáis este tipo de proceso creativo y de trabajo y qué problemas os ha dado?
Studio Inma Bermúdez: (Inma) En este caso el proceso de desarrollo ha sido parecido a lo que solemos hacer en el estudio. Primero nos sentamos, vemos cómo podemos enfocar el proyecto y una vez tenemos la idea, lo pasamos a ordenador. En este caso hemos hecho una representación digital de cómo podía quedar la idea y luego Moritz, que es muy bueno en el taller, ha sido el responsable de realizar la aplicación gráfica final.

(Moritz) Al final, esto que se ve así, (señala el casco) parece muy sencillo, pero para llegar hasta aquí, he hecho 8 o 9 pruebas con materiales diferentes, pinturas, diferentes tipos de reflectantes, y todas aplicadas encima de un “cubo de fregona” negro que era lo más parecido a la superficie curva del casco, ya que solo teníamos un casco para realizar el proyecto.

SC: ¿Que hacéis para inspiraros en vuestro trabajo?
Studio Inma Bermúdez: (Mortiz) muy fácil, vivir (se ríen)

(Inma) En la mayoría de nuestros proyectos, la funcionalidad es la parte más importante, por lo tanto, nuestra mayor inspiración es el propio uso del objeto, ponerse en la piel del usuario, resolver de la mejor manera la función para la que va a ser creado ese producto, teniendo muy en cuenta la optimización en los procesos de producción y transporte y el uso de materias primas.

 

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Entrevista con Deih

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Deih: “Hay veces que la expresión de un sentimiento es la que me hace dibujar una escena”

 

Deih, Valencia 1978. Desde el año 2003 Licenciado en Bellas Artes- San Carlos, UPV – Valencia y desde aquel entonces con una trayectoria profesional y artística imparable. Este reconocido artista valenciano se ha centrado y desarrollado en la pintura mural, la animación, la ilustración y el cómic, participando así en multitud de exposiciones y festivales internacionales y realizando talleres y conferencias en organismos tanto independientes como institucionales.

 

Sympathy Collaboration: ¿Cuéntanos Deih cómo te describes?
Deih: Supongo que soy un creativo en general, aparte de ser humano y todo eso, una persona creativa… estoy todo el tiempo pensando cosas para hacer y las hago. Sobretodo me decanto más por el dibujo y mural pero se me ocurren cosas para todo tipo de proyectos.

SC: ¿Qué es lo que hizo clic para que te dedicaras a esto?
Deih: Creo que fue el no poder parar de dibujar. Al principio dibujaba pero no tanto, mi hermano es dibujante de cómics y mayor que yo y me esforcé para aprender a dibujar mejor, pero luego es como si se abriese una puerta y no podía parar de inventar historias, dibujos… de hecho empecé filología hispánica y saqué muy buenas notas pero dije, yo quiero dibujar y me apunté a bellas artes.

 

Deih delante de Vuelta de Tuerca (Fotografía: Generando Imagen)

SC: ¿Qué haces para recargarte de ideas?
Deih: Hay varios tipos de recarga, cuando me voy de viaje a pintar por ahí, me recarga mucho las pilas porque además de estar pintando tengo un montón de vivencias y es muy intenso, porque estás conociendo a mucha gente y es todo nuevo. Cuando acabo un proyecto lo que me recarga más las pilas es estar con mi hija y con mi chica y un poco de naturaleza también, no estar en la ciudad y ahí es donde se me ocurren nuevas ideas y paradójicamente son muy tecnológicas y muy de ciudades y cosas así. Hay que separarse un poco, dejar de obsesionarse y pensar en cómo seguir tus ideas y desarrollarlas y a lo mejor, cuando desconectas se abre la puerta otra vez.

SC: ¿Háblanos un poco de tu proceso creativo?
Deih: Yo creo que mi proceso creativo siempre parte de historias que quiero contar y eso se mezcla con cosas que quiero dibujar, y entonces en esa fusión entre las cosas que quiero contar y las cosas que quiero pintar encuentro la mejor forma de contar una historia a la vez que disfruto. Hay veces que sale más desde el lado de las cosa que quiero dibujar y a partir de ahí le voy dando sentido a la historia y hay veces que es más la expresión de un sentimiento o de una reflexión sobre el mundo y eso es lo que me hace dibujar una determinada escena.

SC: ¿Para este casco cuéntanos cómo ha sido el procedimiento? ¿Has tenido que cambiar mucho de tu modo de trabajo?
Deih: Lo primero que me vino a la cabeza es hacer una escena con personajes, que es lo que suelo hacer, pero luego pensé, joder, mis personajes siempre llevan cascos, voy a hacer un casco de los que ellos llevan ,voy a hacerle el casco, me venía al pelo y eso me solucionó mucho, porque estaba pensando cuál era el mejor punto de vista para poner los personajes y eso me quitó todas las dudas que tenía y me dediqué a hacer un casco como los que llevarían mis personajes, un poco tecnológico y en realidad es como un tributo a uno de mis escritores favoritos: William Gibson, por eso se llama Neuromante, y en el que hay un universo ciberpunk que me encanta, y así es como veo yo dentro en mi cabeza cuando leo esas novelas, los cascos están rotos, llenos de grasa, y tienen ese punto de chips tecnológicos que es como otra realidad virtual que es tan real como la nuestra. La verdad es que disfruté muchísimo haciéndolo, pero muchísimo, de hecho las siguientes piezas que he hecho en la calle llevan cascos más parecidos a este que a los que hacía antes, que eran más de tela. Estoy disfrutando la verdad con el cambio.

Puedes pujar por el casco de Deih en: http://sympathycollaboration.com/ultimate-auction/casco-closca-by-deih/

 

 

 

Entrevista con Jorge Lawerta

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Lawerta: “el estilo es algo que está siempre en proceso, no es algo que esté finiquitado”

 

Jorge Lawerta, Valencia 1983. Después de estar trabajando durante años en estudios de diseño y agencias de publicidad, este ilustrador valenciano decide dar un cambio radical en su vida y empezar a ilustrar por su cuenta. Su estilo simple y colorista bebe de fuentes tan diversas como el fútbol o la música pero también hay hueco para proyectos de lettering cargados de ironía o sexo. Ilustración tradicional, digital, lettering, personajes…cualquier excusa es buena para dibujar.

 

Sympathy Collaboration: ¿Cuéntanos Jorge cuál es tu metodología de trabajo?
Jorge Lawerta: Bueno normalmente diferencio entre trabajo de cliente y trabajo personal, pero supongo que en ambos casos gasto mucho más tiempo en pensar la idea o en definir lo que voy a hacer ,más que en la ejecución, porque por estilo es bastante sencillo lo que hago pero encontrar la imagen es lo más importante. Una vez lo tengo ya claro, el realizarlo es mucho más fácil y rápido.

SC: ¿Has encontrado algún tipo de dificultad con esta obra?
Lawerta: Dificultad sí porque normalmente trabajo sobre plano y esto es un volumen, por lo que te cuesta colocar la mano y encontrar la posición en la que estas cómodo. A nivel técnico es una superficie no porosa y no cualquier tinta cubre ni funciona bien … digamos que ha sido un poco incómodo de trabajar (risas).

 

Jorge Lawerta asoma su cabeza en Espai ZEDRE (Fotografía: Generando Imagen)

SC: ¿Qué haces para recargarte de ideas?
Lawerta: Bueno, realmente nada especial. Creo que como todos, estamos muy enganchados a las redes sociales y a Internet, así que consumo muchas imágenes. Pinterest por ejemplo es como un cajón de sastre, me paso horas mirándolo, escucho mucha música… Yo creo que es simplemente ver el trabajo de otros ilustradores y de otros artistas lo que hace que te entren ganas de levantarte y ponerte a pintar.

SC: ¿Tardaste mucho tiempo antes de encontrar tu propio estilo?
Lawerta: Habría que definir mucho, pero supongo que es algo que va en proceso, no es algo que este finiquitado, creo que es algo que vas moldeando, quitando capas y añadiendo hasta que al final, cuando termines y veas toda la obra que has hecho, podrás ver cómo era el estilo. Creo que el estilo va cambiando y evolucionando, no sabría decirte si tengo un estilo en concreto.

Puedes pujar por el casco de Lawerta en este enlace: http://sympathycollaboration.com/ultimate-auction/casco-closca-by-lawerta/